百年百老匯 流行音樂劇

易葳

摘 要：百老匯音樂劇是集歌、舞、戲劇一身的娛樂性、商業(yè)性的音樂文化。美國的音樂劇自從叮砰巷時期起，就是影響世界的風(fēng)向標(biāo)。該文章從表演者的角度，介紹了美國音樂劇的起源與發(fā)展，以及音樂劇的表演特征和發(fā)聲技巧。

關(guān)鍵詞：百老匯、音樂劇、表演

中圖分類號：J809 文獻標(biāo)識碼：A 文章編號：1005-5312（2016）23-0097-02

世界有兩大主流音樂劇陣營：紐約百老匯和倫敦西區(qū)，而百老匯音樂劇對世界、尤其是現(xiàn)今全球的音樂劇市場有更大的影響。

一、音樂劇與百老匯

音樂劇Musical Theater，用著名音樂劇作詞人奧斯卡。小哈姆斯坦二世（Oscar Hammerstein II）的話總結(jié)”It can be anything i wants to be.There is only one thing a musical absolutely must be have -- music.”（它是你所能想到的任何元素，其中只有音樂這個因素是絕對包括在內(nèi)的）。而現(xiàn)代的概念：音樂劇是以戲劇為基本，以音樂為靈魂，以舞蹈為重要表現(xiàn)手段，這三大元素互動、互補和不可或缺性的整合，講述故事、刻畫人物、傳達概念的市場性和商業(yè)性的娛樂產(chǎn)品①。

作為音樂劇的代名詞，百老匯Broadway有著雙重含義：首先，它是紐約曼哈頓島上的一條著名街區(qū)，從41街到51街之間的一個劇院集中區(qū)。自從19世紀(jì)初第一家娛樂場劇院在這里開張，便標(biāo)志著音樂劇有了自己固定的演出場所②，至今為止，這里已坐落了超過40家世界級的劇院。其次，能在這個音樂劇最高殿堂上演劇目，對任何一位藝術(shù)家來說便是獲得極大的成功，許多知名的音樂劇不僅從這里起步，并且走向世界巡演之路。

1927年，音樂劇《Show boat》（演藝船）的上演，是百老匯歷史上一個重大的時刻，它為音樂劇帶來了重大的沖擊和改變。在這之前，音樂劇一般沒有整體的劇情聯(lián)系，每個部分都可以拆分為單獨的片段，以諷刺和滑稽的表演，模仿流行的事物為主，這種表演形式被稱為：時事秀（Revue），如《Follies》（富麗秀）等。在這之后，音樂劇更加富有戲劇的個性，人們逐漸被這種有完整故事情節(jié)音樂劇所吸引，敘事音樂?。˙ook music）和音樂喜劇（Music comedy）成為主流，并延續(xù)至今。如：《Oklahoma》（奧克拉荷馬）、《My Fair Lady》（窈窕淑女）等。

二、音樂劇的表演特征

音樂劇的表演是一門綜合性的藝術(shù)表演形式。首先，全世界的音樂劇都是以故事為基礎(chǔ)，劇本是音樂劇最關(guān)鍵的要素，戲劇表演是其中的精髓。其次，構(gòu)成劇情的音樂，既要有歌劇的結(jié)構(gòu)，又要有流行音樂的特質(zhì)，演唱既要有古典派的聲音控制能力，又要保持流行聲樂的發(fā)聲技巧。最后，用肢體的語言補充和完善故事，舞蹈以古典為基礎(chǔ)，以貼近生活的方式表現(xiàn)。

（一）表演精髓—內(nèi)心世界

戲劇的成分永遠(yuǎn)是第一。美國音樂劇的表演強調(diào)身體自然的反應(yīng)。

”Intro to Meisner”是音樂劇表演的基礎(chǔ)課程。Meisner是一位美國演員及表演導(dǎo)師，他強調(diào)用“正在做的真實的事情”代替情感記憶的表演方式③。通過這種表演體系的訓(xùn)練，讓表演者通過觀察對方的行為，讓身體與情緒做出直接反應(yīng)。這個訓(xùn)練的要點是：（1）傾聽；（2）解讀行為；（3）專注對方。身體的語言本來就是沒有對和錯之分，這種本能反應(yīng)，要求演員的行為不能通過太多的思考。通常的訓(xùn)練方式是兩人一組，互相不斷的重復(fù)一句話，逐漸放松身體和釋放情緒。

舞臺上真正的表演也是沒有固定的模式可循，表演本身就是在安全的空間里做著不安全的事。課程”Improvidstion”（即興表演），就是建立在自然反應(yīng)的基礎(chǔ)上，對上一秒發(fā)生的事情做出立即、連鎖的反映。即興表演不要求是否理解主題，無論理對錯，都有不同的表現(xiàn)方式：（1）當(dāng)了解正確的主題，就會做出符合邏輯的連續(xù)性表演；（2）如果不明白主題，也可以做出無前提推論而另辟新境的表演。演員的每一次舞臺表演都是不可以復(fù)制的，會受到當(dāng)下情緒、環(huán)境和對手等不確定因素的影響。即興表演就是在訓(xùn)練情緒在未知事情上的平穩(wěn)反應(yīng)。

美國音樂劇的教學(xué)一直強調(diào)，要求表演者在演唱之前做一個Song Interpretation（歌詞詮釋）的工作，精髓是：五個W/ Who What Where When Why.

Who：：有兩個含義，（1）在演唱誰的角色；（2）想對誰演唱（演唱對象）

What：在做什么，在表演什么，這段和觀眾對話的演唱中，在想什么

Where：在什么地方與人交流，腦海中必須有一個曾經(jīng)去過的具體地方。

When：也有兩層含義，（1）一天中具體的時間，如：早上9點；（2）劇本對時間的設(shè)定。

Why：要做這個表演的原因，此時此刻非做不可的理由。

只有設(shè)定好這些基本元素，演員才可以讓自己的表演存在于一個真實的空間，說服自己，感染觀眾。

最后，再通過Voice&Speech（聲音和演說）的訓(xùn)練，加上以上表演課的練習(xí)，再設(shè)定這些基本元素，最后在Performance（舞臺表演）導(dǎo)師（通常是富有經(jīng)驗的百老匯演員）的引導(dǎo)下，一首歌曲的表演輔導(dǎo)才算真正的完成。

（二）肢體渲染—舞動魅力

音樂劇的表演者需要學(xué)習(xí)三個種類的舞蹈：（1）Ballet芭蕾；（2）Jazz爵士；（3）Tap踢踏。

Ballet芭蕾舞是一種需要長期練功為基礎(chǔ)的舞蹈，以優(yōu)美及拉伸為著稱。日常課程的訓(xùn)練以肢體的拉升、平衡、協(xié)調(diào)為主要訓(xùn)練目的，每周2個小時的課程主要圍繞把桿動作設(shè)計。通通常百老匯的劇組面試歌者時，會要求應(yīng)試者至少能向左或向右做一個“Single turn”的回旋單轉(zhuǎn)來考察舞蹈能力。如《The Phantom Of the Opera（歌劇魅影）》、《West side story（西區(qū)故事）》劇中的主角，都有不少的芭蕾元素的舞蹈表演。芭蕾舞在音樂劇中也有很長的歷史，尤其是在音樂劇“Oklahoma”（俄克拉荷馬）中的一段Dream ballet（夢中芭蕾），開啟了芭蕾舞在音樂劇中的新歷程。

Jazz爵士舞，是由非洲流傳到美國的一種舞蹈種類，以嫵媚和性感聞名。在爵士舞的訓(xùn)練當(dāng)中，表演者要掌握多種融合芭蕾技巧的舞臺跑、跳技巧和方式，在群舞的時候協(xié)調(diào)自己的位置。每周的爵士舞課程當(dāng)中，還會有經(jīng)典音樂劇舞蹈片段的編排，嚴(yán)格的遵守百老匯排練進度，在新舞蹈教學(xué)的十分鐘之后開始錄象。使表演者盡快的適應(yīng)到百老匯的運作系統(tǒng)，在面臨真正的試鏡和彩排，也能從容面對?，F(xiàn)在，爵士舞越來越多的出現(xiàn)在現(xiàn)代音樂劇當(dāng)中，在四大音樂劇之一的“West Side Story”西區(qū)故事中，舞蹈編導(dǎo)Jerome Robbins，在爵士舞的基礎(chǔ)上，融合拉丁舞、芭蕾舞等等，讓肢體語言承載了戲劇的意義，即使脫離歌曲也可以獨立存在解釋劇情。他的杰出舞蹈編排，成功的提高了舞蹈在音樂劇中的作用。

Tap dance踢踏舞，是由愛爾蘭移民帶到美國后發(fā)展成型的。舞蹈奔放、自由，用腳趾和腳尖的拍打出復(fù)雜的打擊節(jié)奏？。音樂劇《An American in Paris（一個美國人在巴黎）》一劇中，男主角更是將美式踢踏舞發(fā)揮到了極致。

三、音樂劇的發(fā)聲技巧

在聲音上塑造人物，是音樂劇唱法最大的特點。百老匯音樂劇，有著一套不同于古典歌劇的發(fā)聲體系。聲音建立在自然、接近說話的音色上；技巧用來連貫聲區(qū)以及擴大音量；聲道是建立在每人現(xiàn)有的條件上，而不是利用肌肉群的力量“組裝”出來。

（一）演唱張力——訴說與宣泄

美國的聲樂導(dǎo)師并不提倡按唱法分類的教學(xué)方式，Ta們通常都是能演唱多種唱法的全能歌者。聲樂的訓(xùn)練，要求胸聲區(qū)、混音區(qū)和頭聲區(qū)平穩(wěn)過渡，把演唱者嗓音能力的全面化，以便去適應(yīng)不同風(fēng)格歌曲的需要。每一個聲樂導(dǎo)師都會要求演唱時的身體和面部肌肉的放松（如提笑肌等利用面部肌肉搭建歌唱空間，是絕對禁止的）。

在聲樂課通常會先練到幾十條簡短、靈巧的練聲曲，多種元音MI、MA、WU、WE、YA、YO、YI、XIA、NIANG的搭配，練習(xí)曲的音域一般從a-e3，跨度兩個多八度。對超自然音High C以上的音域，也可以通過訓(xùn)練達到的。在練習(xí)這個音區(qū)的發(fā)聲時，原理是共鳴腔體的轉(zhuǎn)移，重點在于放掉喉部的力量，讓氣息通過對鼻腔的沖擊，讓聲音像“擤鼻涕”一樣的迸發(fā)出來。

在音樂劇的聲音訓(xùn)練中，為了適應(yīng)不同音樂風(fēng)格的演唱和角色的塑造，音色被分成了縱向的5等分：

1號、2號發(fā)聲位置最為靠前，聲音通過鼻腔共鳴被放大，但不是簡單的鼻音。聽起來是一種Nasty不那么令人舒服的音色，如：音樂劇《Wicked（女巫前傳）》Glinda角色，通過音色集中為聲音造型，使之適合劇中的角色。

3號發(fā)音位置是居中的，通常使用這個位置的音色，口腔要打的開，氣息向下拉升，聲音從口腔中“橫向”發(fā)出來的。紐約的長島當(dāng)?shù)厝苏f話的口音，就是在這個位置上。通常用于扮演鄉(xiāng)下或者有口音的角色。

4、5號發(fā)音位置廣泛的運用于各種音樂劇演唱之中。發(fā)音要點在于共鳴掛在顴骨之后，氣息略微靠后，形成結(jié)實有力的音色。這也是音樂劇中，特殊的演唱技巧“Belting（面罩唱法）”。音樂劇的音色要求表演者的說話與演唱是一個整體，不能有音色差，這種唱法能產(chǎn)生高強度、大并強而有力的音色。使用唱歌中最低音區(qū)的胸聲區(qū)共鳴，運用說話、喊叫時的肌肉群，用結(jié)實的“真聲”去演唱高音區(qū)本應(yīng)該屬于混音區(qū)或者頭聲區(qū)的音色。同時，它也是一個宣泄情感的歌唱技巧，表達音樂中極致的喜怒哀樂。在音樂劇中，經(jīng)常看到表演者的演唱時視線稍稍向上，這是因為演唱時頭頸要保持向上看的角度用來固定喉頭的位置，聲樂導(dǎo)師稱之為：Looking up to the gods（看向上帝）?！懊嬲殖ā保蛔⒅睾眍^高、低的位置，但要在放松喉頭的情況下進行，才會避免聲帶的損傷。

（二）綜合能力——演員的修養(yǎng)

除了發(fā)音技術(shù)，表演者還會受訓(xùn)于Show Case合唱排練。一個好的歌者不僅是能單獨演唱的明星，也要是合唱的能手。百老匯音樂劇經(jīng)常會有重唱、四人對唱或是齊唱的形式。在合唱訓(xùn)練中，每周一首新曲子，幾位新搭檔，不僅當(dāng)場分配聲部演唱，還要注意輕重、緩和、快慢的處理，幾位表演者需要互相協(xié)調(diào)完成。合唱不僅是訓(xùn)練演員的聲音，更是培養(yǎng)表演者的集體合作性。

作者在2015年赴在紐約電影學(xué)院進修音樂劇表演時，每周都有13門不同的課程，除了要求表演者不僅會歌舞表演，還要有一定的文化、音樂基礎(chǔ)。百老匯音樂劇有著100多年的歷史，唱、演、編排都是以五線譜為基礎(chǔ)。History of Musical Theater（音樂劇歷史）和Music Theory（音樂原理），也是每個音樂劇演員的必修課程。

在美國，政府會定期在公園或公眾場合，舉辦周末及季節(jié)音樂節(jié)，讓群眾免費欣賞片段性的音樂劇演出，培養(yǎng)潛在觀眾掏錢去劇院觀看完整版的音樂劇，這種對音樂劇市場的培養(yǎng)，是值得我們學(xué)習(xí)的。音樂劇是具有娛樂性與商業(yè)性的，但國內(nèi)許多打著音樂劇旗號的歌舞晚會或是現(xiàn)代歌劇，既流失了中國音樂劇的潛在觀眾，又損害了中國音樂劇的市場。

通過對百老匯音樂劇的分析，作者從表演者的角度出發(fā)，從表演、聲樂、舞蹈這三方面，解析美國音樂劇演員的培訓(xùn)系統(tǒng)。通過以上研究，闡述音樂劇表演者需要提高能力的方面，以及對表演者提出技能全面化的需求。對音樂劇在發(fā)展較晚的中國，對表演者有實際的參考價值。

注釋：

①黃定宇.音樂劇概論[M].北京：中國戲劇出版社，2003：05.

②慕羽.西方音樂劇史[M].上海：上海音樂出版社，2006：72.

③Sanford Meisner [EB/OL] https：//en.wikipedia.org/wiki/Sanford_Meisner，2016-05-15.

④Tap dance[EB/OL].http：//baike.baidu.com/link？url=jIb500zc_HaOC3M

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